Massimiliano Fuksas'tan 10 yıl sonra eleştirmenler, teorisyenler ve diğer mimariye yakın kişilerden küratörlük yapmaktan bıkan Bienal, yeniden bir mimarın eline geçti. Kazuyo Sejima ünlü bir Japon mimar, mimarlık bürosu SANAA'nın kurucularından biri, New York'taki New Museum dahil olmak üzere birçok büyük müzenin binalarının yazarı ve 2004 Altın Ödülü'nü kazanan Serpentine Gallery Pavilion 2009'un yazarı. Bienal küratörlüğüne atanmasından kısa bir süre sonra Pritzker Ödülü'nü alan Lion. Aynı zamanda sergi tarihindeki ilk kadın küratör. Ancak bienal direktörü Paolo Baratta'ya göre asıl mesele, onun pratik bir mimar olması. Sejima, "2010 Bienali mimariye bir yansıma olacak" ile başlayan küratöryel mesajında da bunu yineliyor.
2008'de katılımcıların yarısının gerçekten anlayamadığı ve diğer yarısının görmezden geldiği selefi olan küratör Aaron Betsky'nin 'inşa etmenin ötesinde' sloganının aksine, Kazuyo Sejima bu yıl basit ve erişilebilir bir slogan önerdi: "İnsanlar buluşuyor mimaride "bu özellikle bağlayıcı değildir. İki şeyin birleştiği açıktır - görünüşe göre Bienal'in ciddi bir şekilde geri dönmeyi planladığı mimari ve bir değişiklik için mimariye bir tür ince sosyolojik not. Sonuçta serginin ana konusunu tamamen mutlaklaştırmak imkansız, ona bir şey eklenmeli. Mimari bir şey için, ama örneğin inşa ediyorlar, böylece insanlar orada buluşsun. Buradan küratörün portföyünü çok güzel süsleyen kamu binalarına doğrudan bir yol var. Sloganın yanı sıra Sejima birkaç ek anlam daha belirledi: serginin odak noktası, modern mimarinin 21. yüzyılın getirdiği değişimlere, bilişim ve küreselleşmeye tepkisidir; mimarinin ifade ettiği ya da sildiği sınırlar; ve inşa edilen mimarinin kalitesi - mesajına Paolo Baratta ekliyor. Böylece, uzun bir "yanda" gerçeği arayışından sonra, dünyanın ana mimari sergisi (ve tabii ki Venedik Bienali de böyledir) yumuşak ve göze batmayan bir kadının eliyle ana konusuna dönecek.. Küratöryel serginin sadece mimarlar değil mühendislik firmaları da dahil olmak üzere toplam 48 katılımcısı var.
Bienal'de her zaman Corderie Arsenal binasında düzenlenen ana küratöryel sergiyle ilgili olarak Sejima, manifestoda her katılımcının cephaneliğin "bağımsız" parçası içinde "kendi küratörü" olacağını söyleyerek katılımcıların özgürlüğünü ilan etti. ona verilen iç. Küratör, çeşitlilik iradeyi birleştirmekten daha iyidir diyor; kısacası, istediğinizi yapın … Tam özgürlük; sergide dolaşırken bunun tamamen doğru olmadığını anlıyorsunuz.
Bienalin küratöryel kısmının ilk salonuna giren bir ziyaretçi, tahta bir balta ile kesilmiş dev bir taş kalp tarafından karşılanır - daha yakından incelendiğinde, balta, bir bacanın yukarı çıktığı bir sığınak haline gelir, trajedi için bir metafor olur. Şili'deki son depremden (felaketten sonra iyileşme hakkında ayrıntılı bir hikaye, Şili pavyonunun Arsenal sergisinde daha fazla bulunabilir). İki yıl önce, Arsenal fuarı komik bir film ve video enstalasyonu ile açıldı; onun hatırasının aksine, taşın kalbi çok büyük, kaba ve ciddidir. Bu bir tür devasa nesne, yanında bir yamyam mağarasındaymış gibi hissediyorsunuz ve kaçınılmaz olarak, ciddiye alıyorsunuz. Arsenal'in sütunları, Romanesk bir bazilikanın sütunları gibi görünmeye başlar ve genel olarak bu ünlü sergi mekânının bir tapınakla benzerliği bir şekilde şiddetlenir. Amaçlananın bu olması mümkündür.
Taş baltanın hemen arkasında, Ensamble Studio ve onun başkanı Anton García-Abril'den daha büyük bir konuyu tanımak için hızlıca gezilebilen Wim Wenders'ın bir filminin yer aldığı kompakt bir sinema salonu var. Sütun sıralarının altından geçen ve düz yolu kapatan iki dev I-kiriş, raylara benzer şekilde ve büyük olasılıkla beton olan gri renklerine bakılırsa, salonun alanında durur. Bir devasa kiriş diğerinin üzerinde ve serbest ucu ortalama bir insan kadar uzun bir yaya dayanır. Bahar tabii ki hiçbir şeyi desteklemiyor, çocuklar onunla oynuyor ama çok etkileyici görünüyor. Buna "yay" denilemez; ve eğer ilk salonda oraya yerleştirilen heykelsi nesnenin ölçeği, iç mekanın boyutuna karşılık geliyorsa, bu bir cephanelik içi için bile çok büyük görünüyor, onu biraz aşıyor ve hatta biraz bastırıyor.
Böylesine ilerici bir büyümeden, istemeden - Tanrım, bundan sonra ne olacağını düşünüyorsunuz. Ama sonra kendimizi Japon mimar Tetsuo Kondo ve Alman şirketi Transsolar'dan mühendis Matthias Schuler tarafından ortaklaşa inşa edilen ve iklim mühendisliğinde uzmanlaşmış (şirketin özelliklerini bilerek) bir bulutta ("gerçek boyut") buluyoruz., bulutun nedenini tahmin etmek kolaydır; iklim kontrolü Arsenal'e gizlice girdi ve içinde kendi havasını düzenledi …). Salon, özel kurulumlarla duvardaki deliklerden pompalanan beyazımsı bir sisle doldurulur. Sis galeriler seviyesinde yayılır ve ortasına sarmal bir yapı inşa edilir ve bulutun içinden geçip ona yukarıdan bakabilirsiniz. Bulut katmanlı parçalar halinde yayılır, yukarıda bir banyoda olduğu gibi havasızdır, ancak etkisi harika. Doğru, Muskovitler de şehre dumanın gelmesiyle Ağustos ayına kadar benzer bir etki yaşadılar; Arsenal'de ise bu bulut daha kalın ve görünüşte daha güvenli.
Küratör, yurttaşının ve bir Alman mühendisin ortak çalışmasını şu şekilde yorumluyor: Sadece bulutun sınırları bulanık olduğu için bizi yeni bir mekan anlayışına itiyor. Salonun çerçevesi içine alınmış olmasına rağmen, sınırlar gerçekten de bulanık. Sise dalmak eğlencelidir; ama bulutların halihazırda neler yaptığını hatırlamak mümkün değil - her şeyden önce ünlü mimar-sanatçılar Elizabeth Diller ve Ricardo Scofidio. Belki de küratörün mesajına özenle not almasının nedeni budur: tüm enstalasyonlar stil açısından orijinal değildir, ancak çoğu modern teknolojinin zirvesini temsil eder.
Hint stüdyosu Mumbai, bir sonraki büyük salonu ahşap model parçalarıyla yaptı ve tavandan klasik üç kanatlı vantilatörleri asarak bir "atölye" haline getirdi - ancak bu kadar geniş bir alan için işler hala yeterli değil, tam bir … sanatsal tıkanıklıkların gelişmiş yanılsaması ortaya çıkmaz; ilk yerleştirmelere kıyasla, ufacık ama sıcacık çıktı.
İki yıl önce İtalyan Pavyonu'nda biyonik heykel binalarının beyaz modellerini sergileyen Parisli mimarlık firması François Roche ve Stéphane Laveau, tuhaf yaratıklarından birini Arsenal odasına salıverdi ve masaya çevirdi. bacaklar. Bir yandan, bu Mars canavarı, yeşilimsi bir ışıkla parlayan cam büyümeleriyle kaplıdır, karşı uçtan filizlenmeyi izler, ortada bir Geiger sayacına benzer bir aygıtın çok renkli bir sahte mineral parçasının üzerinde. Açıklamada, yazarlar Tarkovsky'nin "Stalker" ını hatırlıyorlar ve medeniyetin kazanımlarının sınırlarından bahsediyorlar - muhtemelen bu enstalasyon, küratörün "sınırlar" hakkındaki tezine yanıt vermelidir. Çünkü komşularından farklı olarak mekanı hiçbir şekilde etkilemez; daha ziyade bize içeride yaşayan egzotik bir yerlileri gösterir.
Ancak Olafur Eliasson'un salonu çok etkilidir: karanlıkta, stroboskopik ışığın sinirsel parlamalarında ayırt edilebilen, hayali bir şekilde kıvrılan su fıskiyelerinin etrafına dağılan üç hortum tavana asılır. Egzotik duş büyüleyici, ancak fotoğraflanması zor. Sejima'nın birçok görüntünün yeni olmayacağına dair sözlerinin dürüstçe doğru olduğunu söylemeliyim - Eliasson ilk benzer duşu 1996'da yaptı.
Dahası - yine hafif, bir Çin bürosundan Fransız adı Amator (amatör anlamına gelir) ile düz bir kubbenin ahşap bir çerçevesi. Nitekim, amatörler bu kalıpları cıvatalarla birlikte büküyor gibiydi; ancak kubbenin sınırını geçmenin genellikle imkansız olduğu ve kelimenin tam anlamıyla "kubbeye girme" yeteneği oldukça ilginçtir (yine sınırlar).
Bu satıra, hoparlörlerin daire şeklinde yerleştirildiği Jeanette Cardiff Müzik Salonu'nu eklemeliyiz ve ortada ortaya çıkan (hacimsel? Mimari?) Müziği dinlemek için sandalyeler var. Ve kit tamamlanacak. İşte sadece bir dizi nedir?
İlk bakışta içinde vaat edilen mimari yeterli görünmüyor. Yani, elbette, ortak bir sıradaki geleneksel düzenler ve tabletler bulunur: Rus gözüne en çok dikkat çeken, Valerio Oljati'den Perm Müzesi binasının yarışma projesidir, genel olarak göze en çok dikkat çeken Taichung Operasıdır. Toyo Ito'dan proje. Çok büyük bir termit höyüğünden (sonuçta Çin) oyulmuş küçük bir parçaya benzeyen bu bina, titiz bir ayrıntıyla sunuluyor ve yazarın dilinde kalın albümler şeklinde masalarda yatan eksiksiz dokümantasyonla birlikte sunuluyor. Ancak bu kadar detaylı gösterilen proje bir istisnadır ve muhtemelen küratörün ilan ettiği özgürlüğün bir sonucudur. Arsenal'in sergisi her zaman mimarlar tarafından değil, gördüğümüz gibi mühendisler ve daha sıklıkla bu türde profesyonel ve iyi çalışan sanatçılar tarafından yapılan yerleştirmelerden oluşuyor. Örneğin, Olafur Eliasson - portföyünde birçok iyi ve farklı, genellikle büyük ölçekli kurulumlar var (bu arada, orada birkaç "bulut" var, Dealer ve Scofidio bu türdeki tekler değil). Matthias Schuler bir mühendis. Yani Arsenal'deki küratöryel sergi hiçbir şekilde bir mimarlar sergisi haline gelmedi.
Bu, içinde mimari olmadığı anlamına gelmez. Bana öyle geliyor ki, müze mekanlarının yazarı olan Kazuo Sejima, tüm sergiyi bir bütün olarak mimariye çevirdi: Bir tasarımcı olarak tasarlamadı ve bir küratör olarak bile oluşturmadı, ancak çoğunu birleştirerek inşa etti. enstalasyonlar, her katılımcının Arsenal alanını anlamak için kendi sanatsal yolunu sunduğu bir zincir halinde. Böylece, Arsenal'in kendisi ana sergi oldu. Ve bu sergi mekanının tavrının paradoksal olduğunu söylemeliyim - herkes onu çok seviyor, ama içinde sergiler düzenleyerek, ona çok az dikkat ediyorlar, sadece içine bir şeyler yerleştiriyorlar. Arsenal muhtemelen bu kadar küçümsemeye maruz kalıyor, kasvetli görünüyor ve seyirciye büyük bir baskı uyguluyor. Ama kendi içinde iyi ve yeni küratörün bunu fark etmesi güzel.
Bu durumda, küratöryel sergi, mimariyi kendisi kadar sergilemiyor. Ve serginin içinden geçiş, okumak değil, tefekkür etmek ve bakmamak, ama - mimariye dalma (yabancı bir dile çok dalmış) haline geliyor. Ve serginin katılımcıları, "sözde özgür" sanatçılar ve mühendisler, Sejima için Arsenal'in mekanının mimari anlayışının aracı oldular. Bu arada, mimarlığın ana sanat olduğunu hatırlarsak ve gerisi bir zamanlar ona itaat ederse bu doğrudur. İşte SANAA'dan bir küratör ve hepsini bastırdı, ama çok, çok dikkat çekmeden. Sergiyi iç mekanda düzenlemedi, ancak alanı içerikle doldurdu. Arsenal'in içi sanki ona karşılık verdi, "ana sergi" rolüne katıldı ve daha keyifli hale geldi. Her halükarda, şimdi ona bakmak istiyorum ve Arsenal'den bu sefer uzun geçiş iki yıl önceki kadar yorucu değil.
Belki de bu, çok fazla boşluğa ve çok fazla içeriğe sahip olmadığı gerçeğinden kaynaklanmaktadır - katı bir form ve hatta ağırlıksız Japon Şinto: hafif, karanlık (yin ve yang gibi iç içe geçmiş), taş, bulut, su, ses … Muhtemelen Sejima'nın Arsenal'de halihazırda bilinen enstalasyonların bir dizi reprodüksiyonunu düzenlediğini söyleyebilirsiniz, bunları bir mimarın zor unsurlarla çalışması, Japon kültürünün öyle olduğu anlaşılması zor, parıltılı, gölgeyi yakalamak için bir araç olarak kullandı kuvvetli. Arsenal'deyken deneyimlemeye değer.
Bir bütün olarak ve ana unsurların yansıması olarak, sergi iyi karşılandı. Ancak kelimeler biraz eksiktir; Sejima'nın dünkü basın toplantısında da dahil olmak üzere sürekli olarak bahsettiği uzay ve sınır gibi kilit noktalar var. Diğer tüm kelimeler "kesin olarak belirlenmiş yerlerde" toplanır; Arsenal'in sandalyeler ve kulaklıklı monitörlerle dolu bir görüşme odası var - kelime severler orada konuşmaların tadını çok uzun süre çıkarabilir, konuşmacı listesi bütün bir duvarı kaplar.
Kısacası, Arsenal'deki küratöryel sergiyi SANAA'nın bir başka mimari eseri olarak algılamak doğru görünüyor.
Aksi takdirde, serginin birçok kişinin aşina olduğu yapısı değişmeden kaldı. Arsenal'deki eski “İtalya pavyonu” ndaki küratöryel sergi, Palazzo Espozicione (Sergiler Sarayı) olarak yeniden adlandırıldı; Giardini'deki ulusal pavyonların sergileri ve şehirde bir "paralel program". Mevcut Bienal bir dereceye kadar bir jübile - Venedik Bienali döngüsünün ilk mimari sergisinin üzerinden 35 yıl geçti. Bu nedenle geçmiş bienallerin yıldönümü olayları ve anıları. Palazzo Justinianus'un Sütun Salonu'nda (Bienal organizasyon komitesi merkezinin bulunduğu saray), Venedik Bienali'nin son 11 yılının tarihini anlatan bir sergi dün açıldı. Venedik fuar ekonomisi; aynı zamanda Frank Gehry'nin “yeni bir kültürel model için mimari programını” sunan LUMA sergisine de ev sahipliği yapıyor.
Bienalin yıl dönümü programının bir başka parçası da "Mimari Cumartesiler" olacak - organizatörlerin basın açıklamasında belirtildiği gibi, üç ay boyunca Venedik'te Cumartesi günleri, önceki Bienallerin küratörleri de dahil olmak üzere geçmiş sergilerin önemli isimleriyle toplantılar olacak. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Bienal'in sergileri ve etkinlikleri hakkında kademeli olarak daha detaylı raporlar yayınlamayı planlıyoruz. Sergi 21 Kasım'a kadar sürecek.
