Tretyakov Galerisi Mühendislik Binasında "Sadece İtalya" mimari grafik sergisi halka açıktır. Serginin yarısı, Sergei Tchoban Vakfı koleksiyonundan, yarısı - Devlet Tretyakov Galerisi'nden çizimler ve biraz daha - dört çağdaş sanatçı-mimarın çalışmalarından oluşuyor: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov ve Sergei Tchoban.
Sergi birçok nedenden dolayı kesinlikle harika. Her şeyden önce, yüksek kaliteli mimari grafikler, kendi başına düşen bir malzemedir. Tabakadan tabakaya incelemek, bukleleri, gölgeleri, kadroyu, düzeni ayrıntılı olarak incelemek mükemmel bir zevk.
Öte yandan, mimarların Tretyakov Galerisi'nde sıkça sergilendiği söylenemez. Orada neredeyse hiç gösterilmezler. Ve burada - sergi, yalnızca galerinin depolarından, başka bir zamanda gösterilme şansı çok az olan şeyleri, Berlin'de depolanan Tchoban fonu koleksiyonundan sayfalarla birleştirdi. Her şeyin merkezinde, yaratılışın tacı gibi, modern mimarların çizimleri var.
Serginin tasarımı, küçük bir rotunda salonunda çağdaşlarının (kendisininki dahil) çalışmalarını düzenleyen SPEECH bürosu ve Sergei Tchoban'a ait; çevresindeki galeride 20. yüzyılın grafikleri sergileniyor; uzakta, iki tane daha dikdörtgen alanda, iki bloğa bölünmüş 18. - 19. yüzyıl levhaları sergileniyor: "Bir Temanın Doğuşu" ve "Rossika" (Rusya'daki yabancıların eserleri). Böylece, kronoloji sergi alanında daireler halinde farklılaşır veya daha doğrusu geçmişten günümüze yakınlaşır: sudaki daireler gibi, ancak tam tersi.
SPEECH'in sergi tasarımıyla yaptığı çalışmalarda yuvarlak salonun motifini oldukça tutarlı bir şekilde geliştirdiği unutulmamalıdır: 2013'te ArchMoscow'daki "Museum of Graphics" sergisini (Berlin Museum of Graphics henüz açılmamışken) hatırlamak yeterlidir. veya Venedik mimarlık bienalinde Rus pavyonunun sergilenmesinin iki tasarımı: 2010'da Vyshny Volochok şehrinin pitoresk dioraması ve 2012'de QR kodlarından "Pantheon"
Zaryadye'de yeniden yaratıldı. Modern sergilerin tasarımında yuvarlak salonlar oldukça nadirdir - rotunda alanı, sergileri bunaltmaya ve kendi içinde daha önemli ve değerli görünmeye meyilli olduğu için sergileme için pek uygun değildir. Bu bir tapınaktır, bir müze değil, bir konsantrasyon yeri ve hatta bir hizmettir.
Merminin bu kalitesi vurgulanır ve asmada kullanılır. Yeni Zamanın Grafikleri, müze teşhirinin tüm kurallarına uygun ve saygılı olarak sergilenmektedir. Soldaki rotundal alanda, grafik sayfası kendi kendine değerli olmaktan çıkıyor ve uzamsal grafiğin ikincil bir parçası haline geliyor. Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban levhaları, müze değeri olarak her bir esere dikkat çekilmeden iki sıra halinde asılır (dairesel galerideki 20. yüzyılın grafikleri bir geçiş işlevi görür, dönemin kendisi zaten müzeyi kaldırır. titizlik).
İfadenin anlamı yeterince açık. Modern grafikler burada tam olarak bir sergileme değil, tam da varlığının bir beyanı - klasik çizim geleneğini sürdürme ve canlandırma misyonu. Hayali bir sanat tapınağının parçasıdır, tarihi koleksiyon ise kutsallığı, değerli örneklerin deposu gibi bir şeydir.
Serginin içeriğini çok ince bir şekilde yorumlayan plastik iç ifadenin, klasiklerin dili çerçevesinde kalması karakteristiktir. Tamamen sipariş olmadan, ancak detaylar ve mekansal deneyimler gerçek grafik levhalarla yuvarlak salona ekleniyor. Onlar onun geçici mimarisidir. Örneğin, Panteon'un düzgün bir şekilde çizilmiş boşaltma kemerleriyle ifade edilen yuvarlak tarafını düşünün: "panteondaki panteon", grafik sayfasının düzleminin arkasındaki hayali bir boşlukta, başlatılan oyunu daha da ilerletmeye devam ediyor.
Söylenenlere, 18. yüzyılın "kurucuları" ile başlayan serginin, özellikle Rusya'nın İtalya'ya hayranlık duyma geleneğini daha da araştırdığını ve 21. yüzyıla yakın bir zamanda, bu geleneğin burada bazılarını elde ettiği ortaya çıktı tamamen özel özellikler, hayranlıktan ve iyi anlamda takıntıdan yoksun olmayan, salonun tapınak şekli tarafından çok ince bir şekilde yakalanan. Antikalarla ilgili çalışmaları Maxim Atayants kadar samimi bir şekilde kimse iddia etmez; kimse mimarisinin Mikhail Filippov gibi sulu boya bir manzaradan doğduğunu düşünmüyor; müzesini yaratan Sergei Tchoban ve sürekli açık havaya çıkan Sergei Kuznetsov gibi hiç kimse mimari grafik türünün içsel değerine o kadar bağlı değildir. Sonuç birlikte, heterojen, ancak kesinlikle benzersiz bir fenomendir.
Contemporary Drawing Room'un dört katılımcısıyla da görüştük.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Bu gerçekten şu anda vakfınızın katılımıyla yapılmış en büyük mimari çizim sergisi mi?
Sergey Choban:
- Bence evet. Hem sunulan eserlerin sayısı hem de kapsanan döneme göre, bu en büyük gösteri. İşte seçkin Batı Avrupalı yazarların, 18. yüzyılın mimari çizim okulunun kurucularının eserleri ve bu bağlamda aktif olarak çalışan seçkin Rus sanatçı ve mimarların çok sayıda grafiği.
Vakfınız tarafından düzenlenen mimari grafik sergileri şimdiden belli bir sıra ile şekilleniyor. Genel bir plan, bir geliştirme vektörü var mı, yoksa olay örgüsü her seferinde yeniden mi icat ediliyor?
S. Ch.: Genel olarak, belirli ilkelerimiz olmasına rağmen, her seferinde yeniden icat edilir. Özellikle önde gelen müze kurumlarıyla çalışmak için çabalıyoruz. Bundan sonraki projelerimizden biri Viyana'dan Albertina ile ortak olacak. Dr. Schroeder [Viyana'daki Albertina Müzesi'nin müdürü - Archi.ru] Berlin'deki müzemizin salonlarındaydı ve ortak bir proje yapma arzusunu dile getirdi - bundan çok memnunuz ve bu öneriden gurur duyuyoruz. Başka projeler de var.
Shchusev Mimarlık Müzesi ile çalışma planları var, bunun çok önemli olduğunu düşünüyorum.
Bir koleksiyoner, grafik sanatçısı, tasarımcı, mimarsınız - bunun birbirinizle nasıl bir ilişkisi var?
S. Ch.: Bana öyle geliyor ki bunlar aynı mesleğin farklı bağlantıları. Tarihsel bağlamda mimarlar aynı zamanda sanatçıydı; sadece başkent binalarında değil, aynı zamanda sahne tasarımı, tiyatro gösterileriyle de uğraşıyorlardı.
20. yüzyıla kadar mimarlarda fotoğraf yoktu …
S. Ch.: Fotoğrafın mimari çizim ile aynı amaçlara sahip olmadığını düşünüyorum. Çizim, insan yaratıcılığının en önemli bölümünü - bir kişinin doğal alan içinde yarattığı mimariyi yakalıyor.
Bu arada, Maxim Atayants ve Mikhail Filippov klasik mimari yapıyorlar, ama sen yapmıyorsun
S. Ch.: Tabii ki hayır, bu yaptığımız mimariyle doğrudan ilgili değil. Bana öyle geliyor ki çizim yoluyla mimarlık çalışması tamamen farklı sonuçlara yol açabilir: orantıların, mekansal etkilerin, kumaşın ve detayların incelenmesidir. Bugün, sadece Rusça'da değil, aynı zamanda birçok Avrupa okulunda da çizime çok dikkat edilmesi boşuna değil, çünkü sadece çizim yoluyla farklı yapıların materyallerinin birbirleriyle nasıl birleştirildiğini, nasıl birleştirildiğini görebilirsiniz. en küçük detaylardan oluşan kumaş birbirine akar.
Sergilerdeki çizimleriniz her zaman çok bitmiş işler, doğadan çizimler. Neden skeçler göstermiyorsun?
S. Ch.: Birincisi, bu serginin konusu oldukça kesin, başka bir şey ifade etmiyor. İkincisi, çizimlerin bağımsız bir kaliteye sahip olması gerekir. Eskizler her zaman bu kaliteye sahip değildir.
Resminiz koleksiyonunuzdan mı yoksa mimarinizden mi daha fazla büyüyor?
S. Ch.: Sonuçta koleksiyonun çizimden büyüdüğünü düşünüyorum. Ve yaptığım mimarinin çoğu çizimden doğuyor. Sadece düz büyümez. Öyle bir şey yok ki, antik döneme ait bir bina çizip sonra benzer bir şey tasarlıyorsunuz. Sonra başka bir şey tasarlarsınız, çünkü uzay geliştirme yasaları farklıdır.
*** Serginin diğer üç katılımcısına aynı soruyu sormayı başardık, bu durumda önemli, şu soruyu: grafiklerinin tarihsel olandan farklı olup olmadığı ve eğer öyleyse nasıl.
Maxim Atayants
Grafikleriniz burada sergide sunulan tarihsel grafiklerden ne kadar farklı?
M. A.: Burada grafikler çok farklı … Dört çağdaş katılımcının neredeyse bu serginin diğer salonlarında asılı olanlardan olduğu kadar birbirinden farklı olduğunu hissediyorum.
Çağlar farklı. Modern grafikler, modernliğin muazzam görsel fazlalığından etkilenemezdi. Son iki yılda, dünyada ilk dagerreyotipten bu yana önceki tarihin tamamında olduğundan daha fazla fotoğraf çekildi. Görsel fazlalığın baskısı, bizi çizime farklı bir şekilde yaklaşmaya ve oradan örneğin fotoğrafçılıkta olmayan bir şeyi çıkarmaya zorlar. Oldukça profesyonel bir fotoğrafçıyım, bu yüzden bunları karşılaştırmak benim için önemli. Ama bu konuyu bilinçli olarak düşünmekten korkuyorum çünkü çizim ve fotoğrafın görevi aynı … Bu binalar ile tanıştığımdaki neşe ve heyecanı bir şekilde ifade etmek istiyorum. Muhtemelen Quarenghi aynı sorunları çözdü. Ve sonuç farklı, çünkü çağ farklı. Buna başka nasıl cevap verilir?
Neden sadece fotoğraf çekmiyorsunuz, aynı zamanda çiziyorsunuz?
M. A.: Ama buna kolayca cevap verebilirim. Çünkü farklı mekanizmalar söz konusudur. Çizim bir öğrenme yoludur, beyin, göz ve elin aynı anda eşit yoğunlukta dahil olduğu tek insan aktivitesi türüdür. Resim yapmıyorsanız bir saatinizi düşünceli ve yoğun bir şekilde bir mimari parçaya bakarak geçirmek imkansızdır. Bu bir öğrenme yoludur.
Başkalarının paylaşması için fotoğraflar çeker ve kendimiz için çizeriz. Asimilasyon için. En azından benim durumumda.
Hiç bir fotoğraftan boyadın mı?
M. A.: Elbette, Sanat Akademisi'nde okuyan her aptal gibi ben de, örneğin, dönem ödevimi tamamlayacak vaktim olmadığında, gece fotoğraftan çizim yaptım. Sonra bana daha kolay geldi. Şimdi bunu yapmamaya çalışıyorum çünkü bu sürecin anlamsız bir taklididir. Bence çizimin amacı hayattan yararlanmak.
Çizdiğimde, bir şeyi kavradığımda, o zaman bu süreç derinleşiyor. Aynı sonucu ucuza almaya çalışırken neden basitleştirelim? Ya da dışarıdan aynı görünmek. Yerinde bitirmek için vaktinizin olmadığı durumlarda, bazen fotoğrafa dikizliyorsunuz … Ama bu ikincil. Doğadan çok bir fotoğraftan çizmenin benim için çok daha zor ve uzun olması şaşırtıcı. Bu doğru.
***
Sergey Kuznetsov
Grafikleriniz burada sergide sunulan tarihsel grafiklerden ne kadar farklı?
S. K.: Bunu yapamayacağımızı alçakgönüllülükle söyleyebilirim. Kendi içinde bir kaynak bulan, içine dalabilen ve farklı bir ayrıntı derecesine kadar gidebilen Maxim Atayants'ın çalışmalarından çok memnunum - zorun iyi anlamına gelmediği, basitçe kötü anlamına gelmediği açık - ama yine de, eski ustaların ulaştığı yüksekliklere, sabırla, sıkı çalışmada ve göze - bu şaşırtıcı. Öğrenmeliyiz … Burada sunulan grafiklere hâlâ kıskançlıkla bakıyorum; Böyle bir beceride ustalaşmak elbette harika olurdu.
Klasik mimari çizmek, klasik mimariyi inşa etmeye çalışmak anlamına mı geliyor?
S. K.: Hayır, hiç bir anlamı yok. Tıpkı The Three Musketeers'ı okumak yarın kılıcı sallamaya hazır olduğunuz anlamına gelmediği gibi, klasik mimari çizmek, klasik mimarinin tasarımıyla bağlantılı olmamalıdır.
Öyleyse mimari ve resim kişisel olarak sizinle nasıl bağlantılı?
S. K.: Bu anlamda, ben eski kafalı biriyim, temel, zanaat becerilerine değer veriyorum. Bana öyle geliyor ki, mimarinin yapılma şekli değişmedi ve değişmemelidir: bir kişi düşüncelerini, hislerini, hislerini kendi içinden geçirmelidir - bir bilgisayar her şeyi ifade etmeye izin vermez. Bilgisayar grafiklerine derinden ve ciddi bir şekilde düşkündüm, birçok yayınım ve sergim oldu, bu bana işi ellerimle ve gözlerimle karşılaştırma ve bir bilgisayarla çalışma fırsatı veriyor. Elinizi kontrol ettiğinizde ve kafanızdakileri kendi ellerinizle tasvir edebildiğinizde, size kişisel olarak yardımcı olur ve aynı zamanda bir ikna aracı olarak da işe yarar.
Neden eskiz grafikleri göstermiyorsun?
S. K.: Bu durumda uygun olmaz … Bu bilinçli bir pozisyon değil; teklifler olacak - sergileyeceğiz. Genel olarak konuşursak, bu doğru değil, sergiliyoruz - Arch Moskova'daki "yılın mimarı" sergisinde bir eskiz çizimi yaptık. Çok sayıda kaliteli eskizimiz var. Bence el yazıları izleyicilerin ilgisini çekmeyecek. Genel olarak, izleyicinin herhangi bir işe ilgisinin, ona yatırılan işin miktarı ile doğru orantılı olduğunu söyleyebilirim.
Tarihi mimariyi çizmeye nasıl başladınız?
S. K.: Üniversiteye girmeden çok önce çizmeye başladım. Ailem ne sanatla ne de mimariyle bağlantılı değildi, ancak çeşitli yaratıcılık, prototip oluşturma, çizimden uzaklaştım ve bu yüzden Moskova Mimarlık Enstitüsü'nde hazırlık kurslarına başladım. O zamandan beri resim yapmayı bırakmadım; enstitüden sonra artık el kitabıyla değil, bilgisayar grafikleri ile meşgulken bir duraklama oldu.
Daha sonra, 2006 civarında Sergei Tchoban ile çalışmaya başlayarak, farklı şehirlere seyahat etmesini, mimarlık çizmesini önerdim. O zamandan beri, mimariyi boyamak için yılda birkaç kez düzenli olarak seyahat ediyoruz. Roma'daki ilk açık hava yolculuğumuz, örneğin Piranesi'nin ayak izlerindeydi.
***
Mikhail Filippov
Grafikleriniz burada sergide sunulan tarihsel grafiklerden ne kadar farklı?
M. F.: Böyle bir soruyu cevaplayamam. Mimari grafiklerin mimari bir manzaradan ne kadar farklı olduğunu söyleyebilirim. 30 yıldır Sanatçılar Birliği üyesiyim ve Tretyakov Galerisi ve Rusya Müzesi dahil birçok yerde sanatçı olarak sergiledim. Benim için bu soru kesinlikle açık. Atalarımızın uğraştığı mimari peyzaj, öncelikle paftanın sanatsal bir yaklaşımla yüksek kalitede çizimi ve organizasyonudur. Ne yazık ki, çoğu mimar en sevdikleri nesneyi manzara olarak değil, küçük bir perspektif olarak çiziyor.
Sovyet döneminde, Sanat Akademisi'nin sözleşmeleri altında saf bir manzara ressamı olarak çalıştım. Perestroyka sırasında orada Serovitler iktidara geldi - çoğu iyi sanatçılar, realistler, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Güçlü, teknik grafikler de oradaydı.
Sovyet grafiklerinin geri kalanı, sayfanın modernist organizasyonu doğrultusunda gelişti: örneğin, su hafifse, o zaman tamamen beyaz olarak yazılır, vb. Yazmaya başladığımda daha çok nüanslar, ara tonlar üzerine düşündüm; beyaz gecenin tonları, çizim kalitesi, perspektifin incelikleri … Bu beni o zamanlar oldukça eşsiz kılıyordu, bu yaşlılar beni çok seviyordu. Sözleşmeler altında çalıştım, gelip gösterdim, bazı yorumlar yaptılar - ustalar beni izliyormuş gibi hissettim.
Bu yüzden eski ustalarla pek bir fark hissetmiyorum. Teknik bir resim değil de manzara yapmışlarsa. Manzaraya yaklaşım bir sanatçı gibiydi. Sanat Akademisi'nin mimarlık fakültesi bir zamanlar daha iyi çizenleri ve daha kötü çizenleri de işe aldı. Ve "mimarlık sanatçısı" adı altında bir diploma verdiler - bu bir yıla kadar formüle edildi, tam olarak hatırlamıyorum, bir yıl. Özellikle yüzyılın başındaki eserler söz konusu olduğunda onlarla herhangi bir fark hissetmiyorum. Ostroumova-Lebedeva'nın eserlerinden büyüdüm.
Benim için başka bir nüans ilginç olsa da - beyaz gece. Rus manzarası ara devletlerde nüanslıydı. Örneğin, Vasiliev - çözülme, kış yok, bahar yok, ışık yok, karanlık yok, yarı ton, güneş ışığı … Dünya resminde parlak mavi olan yüksek kaliteli manzaralar bulamayacaksınız. gökyüzü ve parlak yeşillik! Belki Rylov'da böyle bir şey olabilir veya Cezanne, ama bu zaten farklı.
Görünüşe göre iki temanız var: mimari peyzajınız ve mimariniz …
M. F.: Değil! Hiçbir fark yok. Güzel mimari doğayla, güneşle ilişkilendirilmelidir. Sanat tarihini çok iyi biliyorum ve seviyorum. 1980'lerde, resim bir şekilde -belki çok kaliteli- ama modernizme dönüşmeye başladığında, yirmili yıllarda kısa kesilen şeyi sürdürmek benim için ilginçti.
Birlikte büyümek gerçek mi sence?
M. F.: Evet, bu mutlak bir gerçektir. Bu yılın Ocak ayında teslim ettim - ormanlar 750 bin metrekarelik konutlardan kaldırıldı.
Soçi'de mi?
M. F.: Sadece Soçi'de değil, Moskova'da Mareşal Rybalko Caddesi'nde bir ev var. Sizi temin ederim, otuz yıl önce bulduğum 2001 stilinin somutlaşmış hali bu.
Bunu resminizin somutlaşmış hali olarak hissediyor musunuz?
M. F.: Evet, evet … Farkı görmüyorum.
İster inanın ister inanmayın, Akademi'den mezun oldum, bir konsept buldum ve ardından ilk defa bir fırça ve suluboya aldım. Akademide ya da sanat okulunda yazmadım. Ve eğer yazarsam, o zaman ne yaptığıma bakmak imkansızdır.
*** sergi 27 Temmuz'a kadar açık (açılış saatleri)
